Eine salzige Empfehlung für die extra süßen Popcorn-Schlecker. Die diesjährige Essiggurke goes to… 

10. Wonka  (Paul King, Village Roadshow Pictures / Warner Bros. Pictures) 
In 30 Jahren wird man auf dieses Kinojahr zurückblicken und mit pinken Schaum vorm Mund schreien: BARBENHEIMER! Beziehungsweise: Die wenigen, die es noch ins Kino schaffen, werden sehen, dass 2023 ein Epochenwechsel war. Von Marvel zu Matel. Von Superhelden zu Spielzeugfiguren. Nach dem Tag, an dem Greta Gerwigs Barbie nämlich Christopher Nolans Oppenheimer am Boxoffice versank, würde nichts mehr so bleiben, wie es einmal war (*man höre die grusligen Schreie aus der Zukunft, wo Autor*innen in Hollywoods tiefsten Kellerlöcher gezwungen werden, die x-te Blockbuster Sequel über ein Plastikspielzeug auszuscheiden*). Wenn Barbie als überlanger Werbefilme wenigstens mehr als Product-Placement gewesen wäre, hätten die Indie-Film-Darlings und Power-Couple, Gerwig und Noah Baumbach sich auf die Schulter klopfen dürfen und wirklich behaupten können, dass das Autorenkino die Filme von den Superhelden befreit hätte. Leider ist Barbie aber ein hohles Lippenbekenntnis zu einer zufällig ausgewählten Best-of-Playlist des feministischen Diskurses. Nolans Gegenvorschlag für die neue Art des Blockbuster Kinos hatte auf den ersten Blick mehr Anspruch. Wenn man 70mm Film als Anspruch sieht. Oppenheimer las sich aber eher wie ein selbstgeschriebener Wikipedia-Eintrag, in dem der Autor per Namedropping von berühmten Freund*innen beweist, dass er den größten hat. Nach beiden Filmen fühlte man sich leer. Endlos leer. So leer, weil man wirklich nur eine Verpackung bekommen hat. Diese Enttäuschung bringt mich nun endlich zu Paul Kings Wonka. Natürlich gab es dutzende Filme, die mehr unter die Haut gingen als eine Prequel zu einem weiteren potenziellen Franchise-Monster (COMING SOON: alle, wirklich alle Roald-Dahl-Geschichten, auch wenn sie von ihm nur auf ein abgerissenes Klopapier gekritzelt wurden, auf dem steht: BITTE NIE VERÖFFENTLICHEN). Aber Wonka hat das geschafft, von dem Barbie und Oppenheimer nur träumen können: Ein Spektakel, von dem man sich so verzaubern lässt, dass man gerne glaubt, dass die Verpackung auch einen Inhalt hätte. Zugegebenermaßen ist es in diesem Fall ein hyperkapitalistischer Inhalt. Willy Wonka wird als ein Jung-Entrepreneur dargestellt, der sich sogar die Liebe seiner verstorbenen Mutter zurück erwirtschaften kann. Darüber hat man aber zum Glück gar keine Zeit nachzudenken. Denn atemberaubende Musicaleinlagen werden von stakkatoartigen Dialogwitzen gefolgt. So lädt der Film uns in eine Fantasiewelt ein, in der man sich wie ein Kind im Süßigkeitenladen fühlt. Egal ob man weiß oder nicht, dass der Großteil dieser Welt am Computer programmiert wurde, man würde trotzdem gerne jede Seitenstraße der fiktiven Stadt entlang schlendern. Allein schon in der Hoffnung, einen der vielen liebevoll gestalteten Charaktere anzutreffen. Denn selbst der kleinste Nebencharakter in diesem Film scheint drei-dimensionaler zu sein als Nolans Oppenheimer. Und dann kommen einem sogar die Tränen. Genau in dem Moment, wenn (der sicherlich nicht ideal besetzte) Timothée Chalamét das legendäre Lied „Imagination“ von dem originalen Willi Wonka aka Gene Wilder singt. Dieser Moment fasst alles zusammen. Denn man weiß, was der Film tut. Man sieht den doppelten Boden aus Original und Kopie, aus Nostalgie und Kommerz, aber man kann trotzdem nicht anders, als dem Spektakel zu erliegen. Und darum ist Wonka der Blockbuster des Jahres. Der Blockbuster, der Hoffnung auf ein Kino ohne toten Spielzeugpuppen macht. Denn er gibt uns genau, was wir an der Kinokasse wollten — eine Illusion, die sich für einen Moment als echt entpuppt. O Kapitalismus! Mein Kapitalismus! Wie kannst du nur so süß sein?

9. Perfect Days (Wim Wenders, Masters Mind Limited)
Aber genug Polemik. Der neuste Film von Wim Wenders ist das genaue Gegenteil zu der kunterbunten Bonbonwelt von Wonker. In ruhigen Bildern verfolgt er das Leben eines Kloputzers in Tokio. Der strikte Tagesrhythmus des Mannes zieht uns langsam, aber unaufhaltsam in den Bann. Ähnlich einer Murakami Geschichte, entwickelt die innere Ruhe des Protagonisten eine eigene Kraft, die uns einlullt und gleichzeitig Mut spendet. Gespickt mit Momenten der Schönheit, wie das Rascheln der Blätter im Wind oder die magischen Träume bei Nacht, wird der Blick des Protagonisten zu einem eigenen kleinem Universum. Es passiert nicht viel in dem Film, das aus dieser Routine ausbricht. Aber trotzdem zeigt das unglaubliche Spiel von Kōji Yakusho, der dafür den Preis als bester Schauspieler in Cannes gewann, wie schön und gleichzeitig schwermütig die einfachen Dinge des Lebens sein können. Perfect Days ist eine transzendente Meditation über das Alltägliche und öffnet uns einen Raum, der dahinter blickt. Wenn die wenigen Dialoge, die es gibt, nicht so ungelenk und altbacken daher kommen würden, wäre dieser Film vielleicht sogar auf Augenhöhe mit den alten Meisterwerken von Wim Wenders.

8. Das Lehrerzimmer (İlker Çatak, If… Productions)
Der einzige Film aus Deutschland auf dieser Liste bedient auch ein typisch deutsches Thema. Eine Schule bildet den gesellschaftlichen Mikrokosmos, in dem die Frage nach richtig oder falsch gestellt wird. Der Auslöser für diese tiefere systemische Auseinandersetzung ist ein Diebstahl im betitelten Lehrerzimmer. Zum Glück schlägt die Inszenierung aber nie eine didaktische Richtung ein, sondern entscheidet sich die kleine Bagatelle wie einen Politthriller zu verfolgen. Kamera und Schnitt-Rhythmus schaffen es wirklich, Spannung und Klaustrophobie in die tristen Gänge einer Schule zu bringen. Die Spannung treibt den Film genauso an wie die unglaubliche Verletzlichkeit in Carla Nowaks Schauspiel. Sie verkörpert eine Frau, deren hohe Erwartungen an die Gesellschaft einen solchen Druck auf sie selbst zurückwerfen, dass sie jeden Moment darunter zu zerbrechen droht. Doch sie kämpft weiter. Ihre politisch korrekte Ausdrucksweise versprachlicht den Kampf gegen die Windmühlen eines veralteten Systems auf großartige Weise. Die Dialoge lassen Beamtendeutsch und politische Korrektheit aufeinanderprallen und schaffen es trotzdem, die Kommunikationsproblematik emotional einzufangen. Çatak gelingt mit diesem bärenstarken Drehbuch ein kompakter und zeitgemäßer Blick. Dafür vergibt man ihm sogar die wenigen Momente, in denen die Analogie von Schule auf Gesellschaft mit der Brechstange erzwungen scheint. 

7. Tár (Todd Field, Standard Film Company / Universal Pictures)
Cate Blanchett brilliert in dieser Tour de Force. Ähnlich wie Das Lehrerzimmer wird hier der Arbeitsplatz zum Sinnbild gesellschaftlicher Veränderung. In diesem Fall geht es um den Machtmissbrauch, den Cate Blanchetts Figur Lydia Tár als berühmte Dirigentin an der Berliner Philharmonie ausübt und schlussendlich zu Fall bringt. Auch hier entwickelt sich das psychologische Drama zu einem Politthriller, in dem man sich fragt, wie schuldig die Dirigentin wirklich ist. Die kühle, distanzierte Inszenierung schafft es, ein System hinter den sexuellen Gefälligkeiten zu erkennen, das größer ist als Tár selbst. Die Haltung des Films gegenüber Bewegungen wie MeToo bleibt jedoch fragwürdig. Vielleicht verschleiert die künstlerisch wie effiziente Filmsprache gar einen zu zynischen Blick auf die Welt. Andererseits übt genau diese Ambivalenz eine spezielle Anziehungskraft aus, wegen der man bei diesem Film noch genauer auf alle Grauzonen des menschlichen Miteinanders blickt.

6. Maestro (Bradley Cooper, Netflix) 
Zufälligerweise ist der titelgebende Maestro dieses Films, Leonard Bernstein, auch das Vorbild für die fiktive Figur von Lydia Tár. Und dieser zweite Film über einen klassischen Musikdirigenten ist Tár in einigen Belangen klar überlegen. Bradley Coopers Biopic über das Musikgenie Bernstein sieht den Hangover-Star alle Zügel in die Hand nehmen — Drehbuchautor, Produzent, Regisseur und Hauptdarsteller in einem. So viel Hybris lässt eigentlich nur einen Totalschaden erwarten. Doch Cooper schafft es überraschenderweise, die transzendentale Musik von Bernstein durch eine hochemotionale Geschichte filmisch zu übersetzen. Anders als Tár setzt dieser Film nämlich nicht auf Anekdoten und Nerdisms aus der Musikgeschichte, sondern konzentriert sich voll und ganz auf einen emotionalen roten Faden: die Beziehung zwischen Bernstein und seiner Frau Felicia Montealegre. Die verschiedenen Stadien dieser zeitlosen Liebesgeschichte werden unglaublich dynamisch von Coopers abwechslungsreicher Inszenierung eingefangen. Musicalnummern geben sich die Hand mit atemlosen Dialogen in starren Einstellungen. Schwarz und Weiß Sequenzen verweben sich gekonnt mit der farbenfrohen Rahmenhandlung. Jede Entscheidung von Cooper ist beflügelt von kreativem Mut und geht voll auf. Die Größe des Ensembles und des trittsicheren Worldbuildings erinnert an Steven Spielberg. Doch wirklich glänzen tut Cooper, wenn er an John Cassavetes erinnert. Sein Fokus auf echtes, intimes und wildes Schauspiel, das sich wirklich im Moment und nirgendwo anders befindet, entwickelt einen irrsinnigen Sog. Carey Mulligans laut-leise-alles-in-sich-vereinende Performance als Felicia Montealegre übertrifft dadurch sogar Cate Blanchettes metronomartige Präzision. 

5. Le Cinq Diables (Léa Mysius, Trois Brigands Productions / Mubi)
Mit Ava hatte Léa Mysius bereits gezeigt, wie feinfühlig sie bittersüße Coming-of-age Geschichten erzählen kann. Doch mit ihrem Zweitwerk The Five Devils wirft sie noch viel mehr Genrekunst in den Topf. Liebesdrama, Horror und allen voran einen wunderschönen magischen Realismus. Ohne groß zu erklären, zeigt sie ein kleines Mädchen, das eine einzigartige Fähigkeit besitzt: Mittels ihres Geruchssinnes kann sie in die Erinnerung von anderen tauchen. Dieser magische Twist ermöglicht ihr das, was andere Kinder in dem Alter zwar oft spüren, aber selten durchbrechen können. All die Geheimnisse, Lügen und Traumata, die ihre Familie bewegt, liegen ihr nun offen. The Five Devils schafft so eine magische Welt, die aber tief mit den Sehnsüchten des wahren Lebens korrespondieren. Es zeigt einen neuen magischen Realismus, der vor allem in Frankreich, aber hoffentlich auch in Deutschland immer mehr Anklang findet. Ein magischer Realismus, der nicht bei künstlerischer Effekthascherei oder unzugänglichen Metaphern stehen bleibt, sondern viel tiefer unter die Haut gehen kann als inszenierte Realitäten. 

4. Asteroid City (Wes Anderson, Indian Paintbrush / Focus Features) 
Wes Anderson treibt seine Handschrift und damit seine eigens entwickelte Form mit diesem Film auf die Spitze. Man kann ihm vorwerfen, obsessiv zu sein oder nichts Neues zu wagen. Doch wie einer der alten Meister schafft es Anderson in seinen penibel akkuraten Pinselstrichen immer wieder neue Wahrheiten zu entdecken. Wie so oft beginnt er mit dem Auffächern von mehreren Erzählebenen. Der Film öffnet als Radiodokumentation über das letzte Theaterstück eines verstorbenen Dramatikers — „Asteroid City“. Die zweite Ebene ist die Produktion des Stücks selbst und die dritte ist die eigentliche Geschichte dieses Stücks. Die Erzählebenen sind also so selbstreferenziell, dass der Film sich als Asteroid City über Asteroid City in Asteroid City zusammenfassen lässt. Diese theoretischen Verwirrungen sind aber nicht, was uns bewegt. Jede Figur, egal auf welcher Ebene, weiß nicht, was das alles zu bedeuten hat; weiß nicht, was die Schicksalsschläge einer unverständlichen Welt beuteten sollen; weiß nicht, was das Stück darüber zu bedeuten hat; und weiß nicht, warum dieses Stück trotzdem Sinn ergibt. So ist der Konflikt einer jeden Figur die Existenz selbst, die Schwere des eigenen Bewusstseins. Und mitten in der Aufführung der Geschichte bricht eine Figur ab, um als Schauspieler dieser Figur zu fragen, was das alles zu bedeuten hat. Es sind genau diese Momente, die Andersons dogmatischer Filmsprache neue Tiefe und Leichtigkeit zugleich verleihen. Denn in diesen Momenten tritt eine Wahrheit anstelle der streng gekünstelten Inszenierung. Eine Wahrheit, die nicht dokumentarisch oder wissenschaftlich einzufangen wäre, sondern nur in dem Bruch des Gespielten, des Falschen aufblitzen kann. Anderson gelingt es wie in seinen jüngsten Filmen das Handwerk in den Vordergrund zu schieben und trotzdem offenbart er intimste Emotionen wie in seinen ersten Filmen. Scarlett Johansson und Tom Hanks sind außerdem noch zwei unerwartet passende Additions zu seinem immer größenwerdenden Ensemble. 

3. Passages (Ira Sachs, SBS Productions / Mubi)
In diesem Film brodelt jede Einstellung. Ira Sachs zerlegt ein Liebesdreieck in seine Einzelteile aus Verlangen, Schmerz und Eifersucht. Franz Rogwoski, Ben Wishaw, und die einzigartige Adèle Exarchopoulos, die auch schon in The Five Devils brillierte, verkörpern ihre Figuren im wahrsten Sinne des Wortes. Nicht nur durch die wahrhaftigsten Sexszenen des Jahres, sondern auch durch die Präsenz, die sie ihren Figuren in ganz stillen Moment verleihen, fühlt man ihr zerrüttetes Innenleben an eigener Haut. Cast und Kamera gehen in Passages eine Symbiose ein, die selbst die tiefsten Abgründe der Liebe zu einem sexy Spektakel machen. Ira Sachs schafft damit ein ergreifend intensives psychosexuelles Drama. 

2. Sick of Myself (Kristoffer Borgli, Oslo Pictures)
Aber das reinste Körperkino dieses Jahres findet man in dieser rabenschwarzen Komödie. Man windet sich vor Fremdscham, das Lachen friert sich zu einer Fratze fest und die Haare stellen sich vor Ekel auf. Die Zutaten sind simple wie genial: Borgli wirft ein Paar in den Ring, das sich in dem Teufelskreis der eigenen Selbstverliebtheit andauernd übertrumpfen will. Zwei perfide Narzissten, deren einzige Gemeinsamkeit ist, unbedingt auffallen zu wollen, beuten sich selbst aus, bis der Arzt kommt.  Dieser Film ist wie ein Autounfall, von dem man nicht weggesehen kann. Mit dem einzigen Unterschied, dass die beiden Fahrer währenddessen noch Selfies machen. Sick of Myself ist das Zerrbild einer neuen Welt, in der jeder nur auf sein eigenes Spiegelbild blickt. Es ist eine absurde Milieustudie, die zu krassem Zynismus neigt, aber nie unzugänglich wird — hier trifft Ruben Östlund auf Brett Easton Ellis, und trotzdem merkt man, dass Borgli eine ganz eigene Handschrift hat. An anderer Stelle hat dieses Jahr Marlon Bienert für uns den Film schon in einem Wortbild zusammengefasst: https://filmdaemmerung.studio/2023/05/18/film-kritik/. Deswegen will man gar nicht mehr verraten, außer dass Borglis nächster Film Dream Scenario das Kinohighlight des nächsten Jahres zu werden verspricht. 

1. Past Lives (Celine Song, A24) 
In Hermann Hesses Siddhartha blickt der Protagonist am Ende auf einen Fluss und erkennt, dass alles ständig im Wandel ist und der Fluss doch bestehen bleibt. Celine Songs Film beobachtet ebenso meditativ wie sich drei Lebensstränge verweben und entwickelt dadurch einen ganz eigenen Fluss. Es beginnt mit zwei Kindern in Seoul, deren Beziehung noch zu unschuldig ist, um sie als Paar zu sehen. Der Film schafft es aber, diese kindliche Freundschaft so zu inszenieren, dass man sie trotzdem als heranwachsende Liebe erlebt. Als das Mädchen Na Young aber wegen ihrer Eltern nach Kanada emigriert, trennt sich das so starke Band zwischen ihr und Hae Sung zum ersten Mal. Der Film springt mehrfach in der Zeit und wir sehen, wie sich beide Kinder zu Erwachsenen entwickeln, Erfahrungen machen, einem eigenen Leben ausgesetzt sind. Doch ihre Verbindung holt sie immer wieder ein. Bis sie sich nach über 20 Jahren wieder in New York sehen. Ihr Aufeinandertreffen ist wie eine Zeitreise, die alles infrage stellt, was sie bis dahin erlebt haben. Diesen Film zusammenzufassen, läuft immer Gefahr, ihn des Kitsches zu beschuldigen. Denn keine Synopsis kann die vielen kleinen Wahrheiten und differenzierten Momente dieser Reise gerecht werden. Wenn man sich aber eine Szene genauer anschaut, erkennt man, welche Kraft dieser Film in sich trägt: Bevor Hae Sung nach New York kommt, hat Na Young ein Gespräch mit ihrem neuen Lebenspartner, Arthur. Sie teilen in aller Offenheit ihre Ängste und Wünsche nun, da eine alte Liebe in ihr Leben tritt. Ein kitschiges Liebesdrama hätte es sich leicht gemacht und Arthur als nervigen, neurotischen Partner dargestellt, der Na Young im Weg zu ihrer wahren Liebe steht. Doch nicht Past Lives. Arthurs Figur bekommt hier in einem feinfühligen Monolog den Raum zugesprochen, um seine Gefühlswelt als ebenso lebendig darzustellen wie die Hauptfigur des Filmes. Die Ehrlichkeit der reduzierten Inszenierung erinnert an den Monolog des Vaters in Call me by your Name, aber birgt eine noch größere Kraft. Denn es ist kein Monolog, der nur an sich selbst und eine andere Person gerichtet ist. In diesem Moment redet der Film von allen Menschen, die sich einmal mit jemandem verbunden gefühlt haben. Genauso wie wir die Summe unserer Entscheidungen sind, sind wir auch die Summe der Menschen, die uns berühren durften. Die tragische Schönheit vergangener Liebe wird genauso als Möglichkeit für den unerschöpflichen Drang des Lebens gesehen, wie die Eventualität neuer Liebe. Past Lives schafft es somit, eine spirituelle Welt auf die Leinwand zu bannen, während es doch nur das alltägliche Leben seiner Charaktere beobachtet. Es stellt Fragen zu unserer Herkunft, Gegenwart und Zukunft und gibt uns Hoffnung, dass die Verbindungen, die wir fühlen oder fühlten, nicht einfach verschwinden. Celine Song ist so ein stilles Meisterwerk gelungen, das die Melancholie von hundert ungelebten Leben in sich trägt und doch das eine Leben als sich immer wandelnden Fluss begreift.